Le double effet Shoji Ueda

Bonsoir à toutes et à tous.

La semaine dernière, je vous ai présenté, ici, le nouveau programme de la MEP. A cette occasion, je vous ai parlé d’un photographe japonais, Shoji Ueda, et je vous disais “… qui se distingue par le caractère graphique très prononcé de ses compositions, ainsi que leur grand dépouillement. Pour ma part, je ne connaissais pas, et il y a là des leçons à prendre.”

Eh bien je vous en reparle aujourd’hui, pour une autre exposition organisée par la galerie Camera Obscura, qui a réalisé un très beau parallèle entre des photos de ce surdoué nippon et des clichés de Jacques Lartigue.

Je n’ai pas encore eu l’occasion de vous en parler, mais Jacques Lartigue est mon photographe préféré. Celui dont j’admire la précise nonchalance, la luxueuse économie de moyens, l’éclatante sobriété. Bref, mon modèle absolu !

Inutile donc de vous dire que, dès que j’ai eu vent de cette exposition, j’ai sauté sur mon vélo, et fendu la bise … (normalement, à ce moment du récit, je devrais vous dire “cheveux au vent”, mais ce serait mentir car je fais du vélo avec un casque !) … en direction de la galerie. Bref, j’y suis allée dare-dare hier, j’y suis retournée cet après-midi avec mon namoureux, et je reviens pour vous dire tout le bien que j’en pense.

Les oeuvres choisies reflètent l’aspect “anecdotique” des sujets qui plaisait tant aux deux artistes. Le dialogue entre les oeuvres de l’un et celles de l’autre est aussi subtil que profond. Le tout est présenté à la façon sobre et élégante habituelle de la fameuse galerie parisienne. Cette exposition est un plaisir des yeux qui se déguste comme un dessert à la saveur délicate et raffinée.

L’autre bonne surprise ce sont les prix. Si les clichés les plus fameux, en particulier ceux qui sont signés de la main de Lartigue, dépassent les 10 000 Euros, d’autres tirages récents, avec tout de même le caché de la Fondation du photographe, peuvent s’acquérir pour un tout petit peu moins de 1 000 Euros, soit un montant très abordable pour des tirages de cette qualité.

Et si cette exposition vous intéresse particulièrement, j’attire votre attention sur le Monde 2 de cette semaine, supplément du quotidien le Monde daté de samedi 26 janvier 2008 qui reste en général en vente tout le week-end, et qui lui consacre un beau portefolio de 8 pages (cf sa couverture ci-dessous pour vous faciliter la tâche).

La galerie Camera Obscura est ouverte du mardi au samedi de 14h à 19h. Les autres renseignements pratiques se trouvent ici. Et cette exposition se déroule jusqu’au samedi 22 mars prochain.

Vous pouvez retrouver mes précédents billets d’expos photo ici.

Je vous souhaite une très bonne soirée à toutes et à tous.

Les soldes du Bon Marché : de la culture en plus …

Bonjour à toutes et à tous.

Mercredi soir je vous avais promis une nouvelle expo photo démarrant cette semaine. Et bien la voilà !

Eh oui, nos petits camarades du Bon Marché continuent de creuser ce sillon de différenciation dans lequel ils se sont engagés, et nous proposent de soldes culturels, en associant la beauté esthétique qui s’achète avec celle qui se regarde. Remarquez … celle qui se regarde s’achète aussi … mais pas chez eux, je vous en dis plus en fin de billet …

Depuis hier, jeudi 17 janvier 2008, et jusqu’au samedi 16 février 2008, vous pouvez admirer au sous-sol du Bon Marché cette belle exposision de photographies de Harry Gruyaert intitulée “Rivages”.

Harry Gruyaert est un photographe belge qui vit en France, et membre de Magnum. Pour cette exposition, il a extrait de ses travaux passés une sélection de clichés autour du thème du rivage, du bord de mer, de la ligne d’horizon, de cet endroit où se rencontrent la terre, la mer et le ciel. D’un point de vue visuel, ces photographies font apparaître une recherche sur les formes et les couleurs, et d’un autre point de vue, elles font soulignent dans ces espaces la présence de l’homme, son adaptation aux éléments, ou son absence.

L’exposition présente une bonne cinquantaine de photographies, de grand format (plus d’un mètre de large) et avec une présentation homogène (formats paysages dans des cadres blancs sur fond blanc) et très soignée. La scénographie est aussi bien travaillée et très réussie : l’exposition est séparée des espaces de ventes, et donne l’impression d’un espace à part. A milieu, une petite salle de projection a été aménagée, où l’on peut regarder un diaporama des photos présentées accompagné d’une bande son fort agréable. Et, parce que pour apprécier la photographie, il faut pouvoir prendre son temps et contempler longuement celles qui nous touchent le plus, il y a de quoi s’assoir, sous la forme de gros “glaçons” à facettes en plastique, qui renforcent le côté très design et épuré de l’ensemble.

En image, ça donne ça …

Allez, elle est un peu facile, mais je vous dirais bien que cette exposition est une véritable bouffée de vie et d’oxygène en cette période un peu cotonneuse du creux de l’hiver …

Et bien sûr, l’entrée est gratuite … Si vous allez faire un tour dans les rayons ensuite, c’est sous votre seule responsabilité …

Les tirages des photographies de l’exposition existent en 8 exemplaires et sont en vente chez Magnum Gallery. Pour les prix, renseignements directement auprès d’eux ( je ferai un edit ce soir pour vous donner les coordonnées qui je ne retrouve pas là tout de suite …).

Et sur cet intense programme d’images à voir, je vous souhaite à toutes et à tous une excellente journée.

EDIT du 22 janvier 2008

Pour découvrir un avis assez différent du mien (mais non moins respectable), je vous suggère d’aller lire le billet de Model-Shop sur le sujet, ici.

Très bonne soirée à toutes et à tous.

Saul Leiter à la Fondation Henri Cartier-Bresson : ça commence demain !

EDIT du 31 janvier 2008

Géraldine aussi est allée voir cette exposition. Vous pouvez retrouver son billet ici.

Très bonne soirée à toutes et à tous.

;o)

EDIT du 20 janvier 2008

Comme promis, voici les compléments évoqués dans les com …

• C’est Steichen, en 1953, à l’époque où il était Conservateur en chef de la photographie au Moma, qui a sélectionné 25 clichés de Saul Leiter pour les inclure dans une exposition intitulée “Always the young stranger”. Steichen a lui aussi été un des grands photographe américain du 20ème siècle, et il a fait l’objet d’une très belle exposition au Jeu de paume qui s’est terminée il y a quelques semaines, et dont je vous ai parlé ici.

Et pour ceux qui aiment avoir plusieurs avis, Géraldine a aussi parlé de cette exposition, ici.

• A la façon de Saul Leiter, un cliché souvenir de la soirée de vernissage à la Fondation Henri Cartier-Bresson : les reflets sur la verrière du plafond.

• Enfin, en complément de l’exposition à la FHCB, une conférence sous forme d’entretien avec Saul Leiter était organisée jeudi 17 janvier 2008 au Musée d’art et d’histoire du judaïsme. Cette soirée a débuté par un diaporama de différentes photos sélectionnées et commentée par Saul Leiter, et s’est poursuivie par une série de questions/réponses.

Comme je le disais à La vie en rouge en réponse à son com sur le billet : “c’est un absolument drôle et charmant monsieur de 85 ans, plein d’humour et qui ne se prend pas au sérieux”. Et j’ai enfoncé le clou dans mon com sur le blog de Marigaz en écrivant : “C’était extraordinaire ! 85 ans, il a un humour à tomber, et il parle de ses photos avec une simplicité désarmante. Un grand moment …”.

Une autre petite photo souvenir pour immortaliser l’instant … Saul Leiter avec sa légendaire écharpe rouge …

 

Très bonne soirée à toutes et à tous.

 ;o)

Bonsoir à toutes et à tous.

Je vous propose aujourd’hui le second démarrage de la semaine : celui de l’exposition Saul Leiter à la Fondation Henri Cartier-Bresson. Cette exposition commence demain, jeudi 17 janvier 2008, et se terminera le 13 avril prochain.

Je vous disais hier, ici, à quel point j’ai été épatée par la qualité du nouveau programme de la MEP, eh bien, avec Saul Leiter, je vous le dit tout net, c’est pareil !

Cette exposition, je vous l’avais annoncée dans mon billet sur le salon Paris Photo, ici, où la Howard Greenberg Gallery avait présenté un mur Saul Leiter, et m’avait aimablement autorisée à le prendre en photo.

Il s’agit de la première rétrospective en France de ce photographe américain, et elle présente une centaine de ses oeuvres de recherches personnelles noir&blanc et couleur. Ainsi donc, ces photographies ne correspondent pas à ce qui lui a permis de gagner sa vie. Non, pour gagner de l’argent, ce monsieur était aussi photographe, mais de mode. Et, même si on peut comprendre facilement pourquoi il voyait une profonde continuité entre ses photos de travail et ses photos de recherches personnelles, ces dernières ont néanmoins une dimension tout à fait unique dans la cohérence et la spécificité du regard qu’elles proposent.

De ses propres termes, Saul Leiter est un photographe de l’inachevé. C’est vrai que lorsque l’on parle de photographie, c’est un concept un petit peu difficile à saisir, parce que la photo, une fois qu’elle est prise et développée, elle est finie, donc achevée d’une certaine manière.

Mais là, c’est autre chose, la photo est finie, mais l’inachevé est dans la vision. Et plus qu’inachevé, le terme qui me semble mieux correspondre est celui d’incertain. Ce sont des photographies “incertaines”. Cette incertitude vient du flou, des cadrages improbables, des silhouettes coupées, des reflets multiples, des contre-jours. Et plus que tout, cette incertitude vient, tout simplement, du fait que, devant la photo, on se sais pas ce que le photographe veut nous faire voir. Bien souvent, ces photos n’ont pas de sujet principal, et ce, tout simplement parce qu’il y a une telle superposition de sujets possibles, mêles par un jeu subtil d’effet de profondeur de champ, que l’on ne sait plus quel est le niveau de lecture.

D’une certaine manière, ce manque de définition est ce qui constitue la grande force des clichés de Saul Leiter. En l’absence de contrainte, l’oeil du spectateur retrouve la liberté, et les émotions de chacun entrent en résonnance avec ce qui le touche individuellement. L’imagination vagabonde, de forme en couleur …

Enfin, l’homogénéité de l’ensemble se retrouve dans le traitement des couleurs, dans des angles de vue qui confinent parfois à l’abstrait, et dans le sentiment de sérénité et de lenteur qui se dégage de ces images.

Assez de mots, en vrai, ça donne des choses comme ça …

…

Le très beau catalogue de l’exposition est en vente sur place à 30 Euros. Et un petit Photo Poche permet aussi de mieux explorer son oeuvre en tous poinst unique. 

Pour plus d’information, je vous renvoie, ici, vers le communiqué de presse que la Fondation HCB a l’heureuse idée de la mettre à disposition de tous les internautes. 

Comme pour l’exposition Boubat à la MEP, dont je vous parlais hier, l’exposition Saul Leiter fait l’objet d’un bel article dans le Connaissance des arts Photo n°14, de décembre 2007 à février 2008 (cf la couverture ci-dessous).

Et pour ceux que le sujet passionne, je signale que demain soir, jeudi 17 janvier 2008, une rencontre avec Saul Leiter en personne est organisée au Musée d’Art et d’Histoire du Judaïsme. Mais assurez-vous qu’il reste des places avant de vous déplacer … Ce monsieur déplace les foules …

Les informations pratiques d’horaires et d’accès à la Fondations Henri Cartier-Bresson sont ici, et je vous rappelle leur noctune gratuit du mercredi soir de 18h30 à 20h30 (oui, eux aussi, il ne s’agit pas d’un copier-coller mal maîtrisé de mon billet d’hier …).

Pour ma part, je vous retrouve demain soir pour une nouvelle expo de photo à Paris. Ah, je vous l’avais bien dit … c’est fort de photo cette semaine ;o))

Je vous souhaite à toutes et à tous une excellente soirée.

Nouvelle programmation de la MEP : ça commence demain !

Bonsoir à toutes et à tous.

Je vous le dit tout net et sans détour : attention, expositions incontournables !!!

Je sors du vernissage du nouveau programme de la Maison Européenne de la Photographie, et c’est une merveille :

• d’une part, du fait de la grande qualité, et de l’homogénéité dans cette qualité, des différentes expositions, il n’y en a pas une qui soit moins “solide” que les autres ;
• et d’autre part, du fait de l’incroyable complémentarité de la vision photographique des artistes présentés.

Un pur bonheur …

Si je vous reprends ça dans l’ordre : à partir de demain, mercredi 16 janvier 2008, et jusqu’au 30 mars prochain, la MEP nous propose 5 expositions, plus une, pour se régaler les yeux. 

Tout d’abord Peter Knapp (illustration ci-dessus). Photographe de mode connu des années 60 à 80, il est présent à travers deux axes de son travail : d’une part, sa collaboration avec le magazine Elle, et, d’autre part, des travaux de recherches plus personnels, et tout aussi intéressants, sur la perspective ou la couleur, qui permettent de toucher du doigt l’intuition créatrice du photographe.

…

Puis Shoji Ueda (ci-dessus), photographe japonais qui se distingue par le caractère graphique très prononcé de ses compositions, ainsi que leur grand dépouillement. Pour ma part, je ne connaissais pas, et il y a là des leçons à prendre.

Pour information, cette exposition fait l’objet d’un long et fort intéressant article dans Images magazine n°26 de décembre 2007-janvier 2008 (couverture ci-dessous).

…

…

On continue avec Jean-Christophe Ballot et ses Urban Landscapes, de Berlin à Shanghai (ci-dessus). A la lecture de cet intitulé, vous aurez compris que cette exposition m’a particulièrement intéressée, moi qui vous propose régulièrement mes clichés de Shanghai (Shanghai story, ici) …

Avec ces Urban Landscapes, on change de registre photographique pour arriver dans des photographie d’architecture qui conservent une dimension graphique forte, mais beaucoup moins de dépouillement. Que ce soit en noir&blanc ou en couleurs, cette exposition nous offre le  regard acéré de l’artiste sur nos environnements urbains de mégalopoles.

…

…

Le clou du spectacle de mon point de vue : l’exposition consacrée à Edouard Boubat (ci-dessus).

On y retrouve les grands classiques qui ont fait le renommée de son talent, mais pas seulement.

Une très belle série d’autoportraits et de photos de famille, avec son fils et son petit-fils, est présentée.

Des séries un peu moins connues, réalisées pour beaucoup à l’étranger sont tout aussi touchantes. L’Espagne, le Portugal, mais aussi le Brésil, le Mexique, l’Inde … le regard enchanteur de Boubat sur la poésie du quotidie est présent partout. Et pour moi qui vous ai récemment beaucoup parlé de Doisneau (ici, ici, et ici), cette exposition de Boubat est l’occasion de saisir ce qui fait la personnalité photographique de chacun, alors qu’on a tendance à (trop ?) facilement les associer.

Là aussi, cette exposition fait l’objet d’un bel article dans le Connaissance des arts Photo n°14 de décembre 2007 à février 2008 (couverture ci-dessous).

Enfin, l’exposition concernant le magazine “Réalités” nous replonge dans la vie des années 50 et 60. Mensuel haut de gamme de cette période où la presse constituait encore le moyen privilégié de connaître le monde, ce magazine a eu un large recours à la photographie, et c’est cet aspect qui est mis en évidence. A noter : une scénagraphie particulièrement bien faite.

 Pour finir, et c’est l’exposition “plus une” de cette programation, une série intitulée “le bonheur” d’un jeune photographe russe, Yury Toroptsov, distingué dans le cadre du dispositif SFR Jeunes Talents (ci-dessus). Avec un joli clin d’oeil que je vous laisse découvrir sur place …

Pour les informations pratiques, vous trouverez tout ici. J’en profite pour vous signaler le nocturne gratuit du mercredi soir à partir de 17h. J’attire aussi votre attention sur le large programme de conférences, visites guidées et films autour de ces expositions, ici.

Voilà donc un premier avis sur cette nouvelle programmation de la MEP. Si vous avez l’occasion d’aller voir ces expositions et que vous faites un billet dessus dans votre blog, n’hésitez pas à me laisser un com, je ferai bien volontiers un lien vers votre billet.

Je vous l’avais laissé sous-entendre, cette semaine est chargée en actualité photo, et ce début est particulièrement prometteur.

Je vous retrouve demain pour une autre exposition qui commence.

Je vous souhaite une excellente soirée à toutes et à tous.

Derniers jours : Photoquai au Quai Branly, et Polka magazine à l’espace W

Bonsoir à toutes et à tous.

Ce mois de janvier est un mois de transition dans l’actualité photographique à Paris. Des expositions se terminent pour laisser la place à d’autres, qui vont bientôt commencer.

J’ai choisi de vous parler aujourd’hui de trois qui se terminent.

Les deux premières sont “Camera obscura” et “Ruby’s room”. Elles sont encore visibles jusqu’à dimanche prochain, le 13 janvier 2008, au musée du quai Branly. Organisées dans le cadre de Photoquai (manifestation dont je vous ai déjà parlé ici et ici), elles reflètent chacune un moment particulier de l’histoire de la photographie.

“Camera obscura” présente des daguérotypes réalisés dans la première moitié du 19ème siècle, et qui montrent des “non-européens”. Ces premiers portraits posés sont émouvants par la simplicité des mises en scène, par l’apparence de tranquilité sereine des sujets, et par la rencontre improbable qu’ils constituent entre les techniques de l’enfance  de la photographie et des peuples au seuil de la découverte (celle que nous faisions d’eux et celle qu’ils faisaient de nous).  

A l’autre extrêmité du temps et des techniques photographiques, “Ruby’s room” présente les travaux d’Anne Noble, photographe néo-zélandaise. Avec cette série qui montre des gros plans de la bouche de sa fille, l’artiste vise à renouveler de façon onirique et poétique la vision de l’enfance. L’usage des gros plans et de couleurs vives renforcent l’impact des clichés. Loin des courants de la photographie contemporaine qui installent des atmosphères d’inquiétude et de malaise, cette série surprend agréablement par sa fraîcheur et son innocence.

Si les soldes vous laissent un peu de répis en cette fin de semaine, je vous recommande ces deux expositions. Prévoyez juste de faire aussi un tour dans le reste du musée une fois que vous aurez déboursés les 8,50 euros que coûte le billet d’entrée.

Pour les informations pratiques concernant le musée du quai Branly, ça se passe ici.

Autre exposition qui fermera, elle, ses portes le mardi 15 janvier prochain : celle de la galerie Polka qui se tient dans l’espace W.

Outre la démarche spécifique et plutôt séduisante adoptée, avec la publication du journal disponible à l’achat sur place, et un site internet très réussi, cette exposition permet de voir et d’acheter quelques grands classique de Riboud, de Salgado, de Reza, et de Perier pour les amateurs de l’époque Yéyé.

Les tirages sont simples et beaux, et satisfont le plaisir des yeux. Et si votre compte en banque vous l’autorise, les prix restent raisonnables, y compris pour certaines photos mythiques, avec des planchers autour de 2000 euros.

Les détails pratiques concernant l’exposition Polka à l’espace W se trouvent ici.

Là aussi, s’il vous reste du temps d’ici le 15 janvier, cette exposition vaut le détour.

Ceci d’autant plus que, indépendamment de l’exposition Polka, l’espace W est plein de ressources intéressantes, comme ce magnifique graffiti de Miss Tic qui vous accueille sur le mur d’entrée (à l’intérieur … Une occasion pour moi de rendre hommage à son style unique que j’adore … Et il y a plus à découvrir sur le site de l’espace W !).

Et parce que c’est aussi une occasion rêvée de faire un tour dans notre beau quartier parisien de Montmartre.

Et d’ailleurs, pour finir, je vous laisse sur une photographie, prise hier soir à la tombée du jour, de l’église Saint Jean de Montmartre, avec une guirlande de Noël qui semble lui servir de collier … 

Excellente soirée à toutes et à tous.

The Warhol galaxy

Bonjour à toutes et à tous.

Retour aujourd’hui vers l’actualité des galeries parisiennes avec une exposition qui a démarré samedi dernier, le 15 décembre, à la galerie Chantal Crousel. Intitulée “Shadows and other signs of life”, elle est consacrée à Andy Warhol, et plus particulièrement à une sélection de ses travaux de recherche des années 70.

Pour tous les amateurs de Warhol et de ses nombreux champs d’expérimentation, cette exposition est incontournable par le nombre et la qualité des pièces présentées.

A travers, tant des peintures que des dessins que des photos, du figuratif et de l’abstrait, de la couleur et du noir et blanc, cette exposition trace le contour d’une réflexion menée autour du sujet et de son double inséparable, son ombre. 

J’ai, pour ma part, apprécié dans cette exposition deux types de travaux.

D’une part des oeuvres assez éloignées des grands classiques qui ont forgé la notoriété de Warhol. Celles-ci donnent à voir le travail d’étude, d’interrogation, d’expérimentation. Les dessins en particulier révèlent une vision personnelle, presqu’intérieure du questionnement de l’artiste.

D’autres part, et en particulier les photographies, des oeuvres plus achevées, proches de ce que nous connaissons, avec des natures mortes à la faucille et au marteau, ou des natures mortes mettant en scène des déchets de notre société de consommation, et qui entrent en résonnance avec les “Vanités” du 17ème siècle hollandais.

Parmi les oeuvres présentées, un certain nombre sont des pièces uniques d’une qualité rare. Inutile donc de vous préciser que les prix sont en conséquence (on démarre au-dessus de la dizaine de millier d’euros et après, on monte …). Mais rien ne saurait gâcher le plaisir des yeux …

Et comme argument supplémentaire, deux des photographies présentées.

Hammer and Sickle, 1976 - 1977, (c) Andy Warhol Foundation for the Visual Arts & Galerie Chantal Crousel.

Hammer and Sickle, 1976 - 1977, (c) Andy Warhol Foundation for the Visual Arts & Galerie Chantal Crousel.

La galerie Chantal Crousel est située 1O rue charlot, Paris 3ème (tel : 01 42 77 38 87). Elle est ouverte du mardi au samedi de 14h à 19h (horaires à vérifier en leur téléphonant, surtout pour la période des fêtes …). Plus d’infos pratiques ici.

Cette exposition me donne aussi l’occasion de vous parler d’un film que j’ai, enfin, vu en DVD : Factory girl.

Ce film raconte l’histoire d’Edie Segdwick, muse d’Andy Warhol, pendant les années 1965-1966 qui furent celles de leur collaboration.

J’ai eu un peu de mal à reconstituer la trajectoire cahotique de ce film, dont j’ai le sentiment d’avoir beaucoup entendu parlé, essentiellement du fait de la présence de Sienna Miller dans le rôle principal, dont j’ai guetté la sortie en salle, vainement d’ailleurs puisqu’il n’est, après vérification, pas sorti sur les écrans français …

En désespoir de cause, je l’ai acheté en import zone 1, et j’ai réussi à le voir à l’aide du Pingoin Linux qui a plus d’un tour dans son sac !

En tant que fan des Sixties, et en particulier de ce tournant de la décennie qui a vu le basculement de la société vers l’élan libertaire, avec tout ce que cela a comporté de créativité et d’expérimentation, j’étais forcément intéressée par ce film, et je n’ai pas été déçue, bien au contraire.

Voici donc mes 5 bonnes raisons de voir ce film.

1. Tout d’abord, ce film permet de connaître un peu mieux l’histoire d’Edie Sedgwick, figure marquante de la scène new yorkaise à la fin des années 60, du fait de son travail avec Warhol, mais pas seulement … Le film est composé de différents flash back, et le fil directeur est une voie off, celle d’Edie, sur la base des enregistrements qu’elle a effectués sur l’histoire de sa vie, un peu avant sa mort au début des années 70.
2. Le film présente une belle reconstitution des années 65-66 tant à New York qu’à Paris, où Warhol et Sedgwick ont fait un voyage.
3. Ce travail de reconstitution s’étend, bien entendu, à la mode, avec les tenues incoyables de Edie/Sienna, du orange partout, les boucles d’oreilles “chandelier”, l’imprimé léopard, … Un régal pour toute stylish girl qui se respecte …
4. Le film est aussi très intéressant par les différentes techniques visuelles qui sont juxtaposées : noir et blanc et couleur, fausses images d’archives, … Ces procédés cinématographiques font ressortir la trame narrative, guident le spectateur dans les différents moments du récit, et le plongent au coeur de l’ambiance de cette époque.
5. Les interprètes. En dépit du phénomène “people” qui l’entoure, je continue de trouver que Sienna Miller est une excellente actrice, qui s’affirme de film en film, et qui réalise dans Factory girl une prestation qui vaut le détour. Elle n’est pas seule à tenir de haut de l’affiche, car Guy Pearce, vu dans LA Confidential dans le rôle du jeune flic idéaliste et ambitieux, campe un Andy Warhol plus vrai que nature.

Ce film, dont le rythme est assez rapide, est un concentré de l’esprit de l’époque tel qu’il est passé à la postérité,  et constitue de mon point de vue, une belle réussite cinématographique.

Une fois que je vous ai dit tout ça, quelques images du film pour rendre les choses plus concrètes …

L’interprétation de Sienna Miller.

Le moment de la rencontre entre Edie et Warhol (Guy Pearce) …

Leur proximité affective et intellectuelle … (la fourrure, la casquette en cuir, les lunettes, le collier !!!) …

… sous l’oeil omni-présent des média (déjà !).

(Les boucles d’oreilles !)

L’incroyable ambiance de la Factory.

L’ombre discrète de Diana Vreeland, autre figure mythique de l’époque.

Paris, qui sera toujours Paris ! Admirable cette tour Eiffel sans la tour Montparnasse derrière ! Et l’arc de triomphe sans La Défense et avec les vieilles voitures !

Et pleins de looks de l’époque !

Je vous laisse sur ces images d’un monde qui, par de nombreux côtés, a été précurseur du nôtre (l’importance des media, la course à la célébrité, …), sans parler de la mode qui se réinterprète à l’infini.

Si vous êtes intéressés pour acheter le film (en import zone 1, full english donc …), vous pouvez aller ici.

Si vous voulez en savoir plus sur Edie Sedgwick, vous pouvez trouver ici une sélection de livres sur elle, et ici, un site internet qui lui est consacré et que j’ai trouvé intéressant. Par ailleurs, les articles en français et en anglais de Wikipédia pourront vous en apprendre aussi pas mal.

Pour mémoire, je vous avais déjà parlé de Sienna Miller, ici, au sujet de son interprétation dans le film Layer Cake, qui est aussi pour moi un film à voir.

Bon, et pour se réchauffer … une petite soupe Campbell ? 

Très bonne journée à toutes et à tous ;o))

Il vous reste 2 semaines - Exposition Steichen au Jeu de Paume

Bonsoir à toutes et à tous.

Il vous reste deux semaines exactement pour aller voir l’exposition Steichen au Jeu de Paume. Elle fermera ses portes le 30 décembre prochain (informations pratiques ici).

Outre le fait qu’Edward Steichen est considéré comme une figure marquante de la photographie du 20ème siècle, et que cette exposition met particulièrement bien en valeur l’ampleur et la qualité de son oeuvre, je vous la recommande vivement pour 3 raisons principales. Et pour plus d’avis, ici, le billet publié par Géraldine le 11 octobre dernier.

1- Steichen est un photographe “moderne”, dont la capacité d’innovation, associée à une grande maîtrise technique, reste encore aujourd’hui frappante.

Né à la fin du 19ème siècle, Steichen exprime, dans ses premiers travaux, la forte influence qu’exerce sur lui la peinture, qu’il a pratiquée avant la photographie. Ainsi, ses débuts photographiques demeurent empreints d’une culture artistique classique. Néanmoins, la rigueur de sa formation ne constitue pas une limitation, et agit, au contraire, comme un formidable tremplin à l’ouverture de sa vision.

Il se révèle ainsi rapidement novateur dans son approche. Ses thèmes et ses cadrages, en particulier, montrent sa capacité à sortir la pratique photographique de ses angles de vue traditionnels. Dès 1902, après sa rencontre avec Alfred Stieglizt, Steichen se positionne à l’avant-garde des mouvements et de la réflexion sur le devenir de la photographie. 

2- Cette modernité se manifeste, en particulier, par un décloisonnement des genres et des pratiques.

Cette ouverture et cette capacité d’expérimentation ne se démentiront pas tout au long de sa carrière qui va durer jusqu’au début des années 1960.

Travail en studio, publicité, photographie de mode, photographie de guerre, recherches abstraites … Au cours de sa longue carrière, Edward Steichen a touché à tous les genres, à toutes les pratiques, avec la même curiosité, la même ouverture d’esprit et la même maîtrise technique.

Ainsi, en dépit des critiques, il défend l’idée d’une photographie à la fois commerciale et créative, et refuse de considérer la photographie publicitaire comme un genre de moindre importance.

 3- Steichen a associé son travail photographique à un réel engagement citoyen.

Que ce soit pendant la première guerre mondiale, ou pendant la seconde, Steichen met ses compétences au service de l’effort de guerre.

Dans le même esprit, son travail sur l’exposition “The Family of man” vise à promouvoir la solidarité entre les peuples par le regroupement d’images du monde entier.

En conclusion, c’est une oeuvre d’une singulière étendue qu’il nous a laissé, et qui donne à voir, avec une qualité très homogène, nombre des courants et des pratiques qui ont animé la photographie sur une grande première moitié du 20ème siècle.

Place aux images …

Brooklyn bridge, 1903 - Courtesy LaSalle Bank Photography Collection, LaSalle Bank et ABN AMRO, Chicago (c) Joanna T. Steichen

Fred Astaire dans le film Top Hat - New York, 1927 - Courtesy Howard Geenberg Gallery, New York (c) 1927, Condé Nast Publications

The spiral shell - France, vers 1921 - Edward Steichen Courtesy The Richard and Jackie Hollander Collection, Los Angeles (c) Joanna T. Steichen

Greta Garbo, 1928 - Edward Steichen Courtesy LaSalle Bank Photography Collection, LaSalle Bank et ABN AMRO, Chicago (c) 1928, Condé Nast Publications.

Très bonne soirée à toutes et à tous.

Prolongation jusqu’au 22 décembre : exposition Doisneau à la galerie Christophe Gaillard

Bonjour à toutes et à tous.

Une petite info de dernière minute !

L’expo Doisneau qui se tient actuellement à la galerie Christophe Gaillard, et dont je vous ai parlé lundi ici, est prolongée jusqu’au samedi 22 décembre prochain.

 Une semaine de plus pour aller admirer ces photos touchantes de vérité …

 Très bonne journée à toutes et à tous.

Il vous reste 2 semaines ! Exposition Helen Levitt à la Fondation Henri Cartier-Bresson

Bonjour à toutes et à tous.

Il vous reste un peu moins de 15 jours en fait, puisque cette exposition fermera ses portes le dimanche 23 décembre prochain.

Avant de retourner (dès demain …) voir ce qu’il se passe du côté des affiches et vitrines de Noël à Paris, je vous recommande vivement cette exposition sur Helen Levitt, pour la grâce, la fraîcheur et la modernité du travail de cette photographe américaine qui a observé les scènes de rue de New York pendant près de 60 ans.

Dans la continuité de la photographie humaniste et du documentaire social, le travail d’Helen Levitt montre le quotidien et les petits riens de la vie de tous les jours avec poésie et humour. « Désintéressé » dans le sens où il s’agit d’une observation gratuite et sans message, son regard témoigne de la vie des quartiers populaires qu’elle affectionne, des gens qui les habitent, du brassage si particulier de la société américaine qu’ils donnent à voir.

Un accent particulier est mis sur les enfants, leurs jeux, leur univers onirique, et sur leurs graffitis, témoins fugaces de leur passage.  

Comme chez Doisneau, dont je vous ai parlé hier ici, la démarche d’Helen Levitt semble empreinte de cette tendresse et de cette générosité qui transcendent la vie ordinaire et ses aspérités, pour lui donner une dimension intemporelle.

 

Pour mieux cerner sa vision, je vous propose deux photographies qui me plaisent particulièrement …

(ces deux photographies sont (c) Helen Levitt / courtesy Laurence Miller Gallery)

… et une citation de l’artiste : “Tout ce que je peux dire à propos du travail que j’essaie de faire c’est que la beauté est dans la réalité elle-même”.

L’exposition de la Fondation Henri Cartier-Bresson donne à voir une centaine de photographies prises entre 1930 et 1980, à New York pour la quasi-majorité. Une grande partie sont en noir et blanc, mais une part importante de l’exposition est consacrée à son travail en couleur, moins connu quoique tout aussi intéressant, d’autant que nombre de tirages présentés sont des “dye-transfert” d’époque, procédé aujourd’hui disparu mais dont le résultat évoque le technicolor du cinéma.

Pour plus d’information, je vous renvoie vers la rubrique de présentation, ici et vers l’intéressant dossier de presse en accès libre, ici. Les informations pratiques sont ici. J’attire votre attention sur le nocturne gratuit du mercredi entre 18h30 et 20h30 (fermeture de la caisse 30 min avant).

Bonne journée à tous et à toutes.

Il vous reste 5 jours ! Exposition Robert Doisneau à la galerie Christophe Gaillard

Bonjour à toutes et à tous.

Dans la continuité de la très belle exposition “Paris en couleurs”, qui se déroule actuellement à l’Hôtel de ville de Paris, et dont je vous ai parlé ici, je fais aujourd’hui un focus sur un de nos grands photographes français : Robert Doisneau.

Considéré comme un des maîtres de la photographie humaniste, cet homme avait un don pour donner de la poésie et de la noblesse aux petites choses de la vie.

La galerie Christophe Gaillard présente, jusqu’à samedi prochain 15 décembre 2007, une exposition de photographies de Robert Doisneau que je vous recommande particulièrement. 

Outre la qualité des tirages d’époque, ces photographies proviennent de la collection privée de Robert Giraud, écrivain et journaliste, ami intime de Robert Doisneau.

Avec une cinquantaire de clichés pris entre 1945 et 1955, cette exposition révèle donc un aspect moins connu, mais non moins touchant, du travail de Robert Doisneau, et montre des scènes réalistes du Paris populaire, voire un peu marginal, de cette époque.

Moins “romantiques” que les grands classiques de l’artiste, ces photographies, parfois insolites, témoignent de son attachement à rendre compte de la situation sociale dans une période de mutations rapides, et avec ce regard plein d’indulgence et de générosité qui le caractérise.

Je n’ai malheureusement pas de photographies à vous proposer en illustration, mais le site internet de la galerie (lien en haut du billet) en offre un bon avant goût, et le plaisir des yeux vaut la peine de se déplacer dans ce quartier du Marais fort agréable par ailleurs (la galerie est presqu’en face du musée Picasso …).

En terme de prix, ces tirages oscillent entre 3 000 et 6 000 Euros, ce qui semble assez abordable eu égard à la renommée du photographe, à la qualité des tirages, et à la force des sujets représentés.

Si vous avez cet argent, et un amateur du genre à gâter pour Noël, cela peut constituer une inattendue et belle idée de cadeau.

Informations pratiques : la galerie Christophe Gaillard est située 12 rue de Thorigny dans le 3ème. Elle est ouverte du mardi au samedi de 14h à 19h, et sur rendez-vous en dehors de ces horaires.

Je vous souhaite un très bon lundi à toutes et à tous.

Remerciements

Je remercie tout particulièrement Bérangère de la galerie Christophe Gaillard pour son accueil sympathique. Et je remercie également la galerie Christophe Gaillard pour les éléments qu’elle m’a transmis, et qui m’ont permis de faire ce premier billet sur une vente de tirages par une galerie parisienne.